Vincent Hedin-Perry
DU 22 AVRIL AU 22 JUIN 2024
OUVERTURE EXPO :
LUNDI AU VENDREDI / 14H - 19H

SAMEDI / 11H - 16H






  
yyyyyy
  
 


 
Atelier-Dessin
HUIT ATELIERS AU CHOIX
DESSIN - PEINTURE - GRAVURE
 
MODÈLE VIVANT (DESSIN-MODELAGE)
TIRAGE ARGENTIQUE (LABO PHOTO)
GRAPHISME - CÉRAMIQUE





     
  
 


 
Mitch_PerrotinPRISE EN CHARGE ÉCOLE OFFERTE
ENTRÉE LIBRE POUR VISITE & MÉDIATION
TARIFS 1H30 MATÉRIEL COMPRIS

COURS 15€ PRATIQUE LIBRE 10€

GROUPES SCOLAIRES 3,50€





 
 
Stage AdosDEUX SEMAINES ARTISTIQUES
DESSIN PEINTURE GRAVURE
1 JOUR / 10H00-15H30 / 35€
LA SEMAINE / 150€
10 PLACES MAX A PARTIR DU 24/06/24






 
LOGO mITCH

















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PAIEMENT
EN LIGNE


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VACANCES
PÂQUES 2024



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ADRESSE
13 QUAI DE LA SEINE
75019 PARIS
M° JAURÉS - STALINGRAD

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CONTACT
& RÉSA
Claire Tél. : 06 10 26 97 58



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PLANNING 2024

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TARIFS 2024

> ATELIER DU 22/04 AU 05/07/24
165

> CARTES / DE 4 À 8 COURS
60€   VALABLE 2 MOIS
120€
  VALABLE 4 MOIS

> ADHÉSION ANUELLE ASSO
15€


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FICHE
D'INSCRIPTIO
N


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ATELIER MITCH
ASSOCIATION LOI 1901
SIRET
879378 826 00017

SIÈGE SOCIAL - ACCUEIL - INFOS
13 QUAI DE SEINE 75019 PARIS

ENTRÉE LIBRE
- aux expositions

- aux visites & médiation
- aux vernissages en présence de l'artiste

GRATUIT POUR LES PRIMAIRES
- La prise en charge à 16h30 à la sortie d'école, avec leur retour pour la tranche 11h30-13h30
(écoles
Xème et XIXème)

GROUPES SCOLAIRES 3,50€/pers.
- Visite et atelier en lien avec l'exposition de 09H00 à 11H00
- Lycée / Collège / Primaire
- Partenariat projet PEAC

SECRÉTARIAT
JEN-PAUL COLONNA
jeanpaul@atelier-mitch.com

PRÉSIDENCE
MICHEL LAGARDE
michel@atelier-mitch.com










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ATELIERS
PASSÉS



> PROGRAMME 2022-23


> PROGRAMME 2021-22

PROGRAMME 2020-21 Act I

PROGRAMME 2020-21 Act II

SOUVENIRS 2020-21




Prise en charge école Vélo










ASSOCIATION À BUT NON LUCRATIF
dédiée à l'instruction artistique accessible financièrement à tous

Atelier Peinture

> ADHÉSION ANNUELLE (PAR FAMILLE) 15€/an COMPRENANT
LES ASSURANCES LORS DES ATELIERS & SORTIES VACANCES
L'ACCÈS LIBRE AUX EXPOSITIONS & MÉDIATION
LES VERNISSAGES EN PRÉSENCE DE L'ARTISTE

PRIMAIRES ! 2H00 D'ATELIER POUR 15€ avec prise en charge à l'école

Médiation expo Xavier Veilhan


> HUIT ATELIERS AU CHOIX TARIFS MATÉRIEL COMPRIS
15€ / 1H30 - 20€ / 2H00 - 25€ / 2H30 À 3H00
GRAVURE - PEINTURE - TIRAGE ARGENTIQUE - MODELAGE & CÉRAMIQUE
DESSIN - LABO PHOTO - MODÈLE VIVANT (DESSIN & MODELAGE) - GRAPHISME

Cours Modelage COURS DESSIN


Programme 3ème Trimestre 2023-24







 

PROGRAMMATION




                            2023-2024






FRÉDÉRIC POINCELET
QUENTIN GERMAIN
VINCENT HEDIN-PERRY
 
 
 
   
JULES BERTIN

DU 08 MAI AU 21 JUIL 2023
VERNISSAGE LE 07/05/23
   
   
 
 
 
   
Frederic Poincelet

DU 04 SEPT AU 21 OCT 2023
FINISSAGE LE 13/10/23
   
   
 
 
 
    QUENTIN GERMAIN

DU 06 NOV AU 12 DÉC 2023
FINISSAGE LE 07/12/23


 
 
 
 
   
Vincent Hédin-Perry

 
22 AVRIL AU 22 JUIN 2024
FINISSAGE LE 21/06/24
   
   

                              

               
        ----------------- PAS DE PROGRAMMATION DE MAI 2020 À MAI 2023--------------


                        2019-2020


SUZANNE HUSKY
 
 
 
   
LUCILLEPIKETTY

DU 02 SEP AU 18 OCT 2019

FINISSAGE LE 17/10/18
   
   
 
 
 
   
SUZANNE HUSKY

DU 04 NOV AU 17 DEC 2019

FINISSAGE LE 18/12/19
   
   
 
 
 
    Vincent Ruffin

DU
06 JAN AU 7 FEV 2020
FINISSAGE LE 07/02/20


 
 
 
 
   
PIERRE SEINTURIER

DU
04 MAR AU 19 MAR 2020
FINISSAGE LE 03/03/20
   
   

                                      
                                   2018-2019


MICHEL TEMIM
 
 
 
   


DU 03 SEP AU 19 OCT 2018

FINISSAGE LE 18 OCT 2018
   
   
 
 
 
   
MICHEL TEMIM

DU 05 NOV AU 21 DEC 2018

FINISSAGE LE 20 DEC 2018
   
   
 

 
    THOMAS SAUVIN

DU 07 JAN AU 22 FEV 2019

FINISSAGE LE 21 FEV 2019
   
   
 
 
 
   
ICINORI

D
U 11 MAR AU 19 AVR 2019
FINISSAGE LE 18/04/19
         
   









EMILIE BAZUS



 
 
 
   
EMILIE BAZUS
DU 06 MAI AU 27 JUIN 2019
FINISSAGE LE 26/06/19
           
   

                               2017-2018


FLORIAN MERMIN
 
 
 
   
ALINE ZALKO

DU
04 SEP AU 20 OCT 2017

FINISSAGE LE 18 OCT 2017
   
   
 
 
 
   
ABDEL ABDESSEMED

DU 05 NOV AU 22 DEC 2017

FINISSAGE LE 21 DEC 2017

   
   
 
 
 
   
FLORIAN MERMIN

DU 08 JAN AU 16 FEV 2018
FINISSAGE LE 14 FEV 2018



   
 
 
 
   
Vianney de Seze

DU
05 MAR AU 13 AVR 2018
FINISSAGE LE 11 AVR 2018
            
 












 
 
 
   
SYLVAIN GRANJEON

DU 30 AVR AU 08 JUIN 2018

FINISSAGE LE 06 JUIN 2018

          
   

                               2016-2017


DENIS DARZACQ BLEXBOLEX
 
 
 
   
DENIS DARZACQ

DU
1er SEP AU 17 OCT 2016
FINISSAGE LE 19 OCT 2016
   
   
 
 
 
   
BLEXBOLEX

DU
02 NOV AU 16 DEC 2016
FINISSAGE LE 27/06/19
   
   
 
 
 
   
Julien Fargetton

DU 03 JAN AU 03 FEV 2017
FINISSAGE LE 1er JAN 2017

   
   
 
 
 
   
ANTOINE CARBONNE

DU 20 FEV AU 31 MAR 2017
FINISSAGE LE 29 MAR 2017
            
   








FRED ATLAN MONTROUGE KRISTAL


 
 
 
   
Fred Atlan

DU 18 AVR AU 26 MAI 2017

FINISSAGE LE 24 MAI 2017


   
 
 
 
   
SALON DE MONTROUGE2017

DU
29 MAI AU 7 JUIL 2017
FINISSAGE LE 27 JUIN 2017
           
   

                              2015-2016


 
 
 
   
Philippe Ramette

D
U 01 SEP AU 16 OCT 2015
FINISSAGE LE 14 OCT 2015
   
   
 
 
 
   
Mathieu Roquigny

D
U 02 NOV AU 19 DEC 2015
FINISSAGE LE 13 DEC 2015


   
 
 
 
   
Richard PAK

DU 04 JAN AU 19 FEV 2016

FINISSAGE LE 17 FEV 2016
   
   
 
 
 
   
Xavier Veilhan

D
U 07 MAR AU 16 AVR 2016
FINISSAGE LE 13 AVR 2016
           
   










 
 
 
   
Frères Bouroullec

DU 02 MAI AU 03 JUIN 2016

FINISSAGE 1er JUIN 2016
   
   
 
 
 
   
Julien Fargetton

DU 06 JUIN AU 08 JUIL 2016

FINISSAGE LE 1er JUIL 2016
           
   

                                    2014-2015


BRECHT EVENS
 
 
 
   
Valérie Mréjen

DU 02 SEP AU 18 OCT 2014

FINISSAGE LE 18 OCT 2014
   
   
 
 
 
   
Jessica Lajard

DU 03 NOV AU 20 DEC 2014

FINISSAGE LE 19 DEC 2014
   
   
 
 
 
   
Brecht Evens

DU 05 JAN AU 19 FEV 2015
FINISSAGE LE 13 FEV 2015
   
   
 
 
 
    Julien Salaud

DU 02 MAR AU 17 AVR 2015

FINISSAGE LE 16 AVR 2015
          
   










 
 
 
   
Valérie VIllieu

DU 04 MAI AU 05 JUIN 2015
FINISSAGE LE 04 JUIN 2015
   
   
 
 
 
   
Vincent Gautier

DU 08 JUIN AU 17 JUIL 2015
FINISSAGE LE 24 JUIN 2015
          
   


                              2013-2014


 
 
 
   
Truc-Anh

DU 02 AU 28 SEP 2013

FINISSAGE LE 28 SEP 2013



 
 
 
 
   
Marie Denis

DU 02 OCT AU 03 NOV 2013

FINISSAGE LE 03 NOV 2013
   
   
 
 
 
   
Camille&Paul

DU 04 OCT AU 30 NOV 2013

FINISSAGE LE 30 NOV 2013
   
   
 
 
 
   
Marion Poussier

DU 03/12/13 AU 11/01/14

FINISSAGE LE 11 JAN 2014
         
   






 
 
 
   
Simon Roussin

DU 13 JAN AU 28 FEV 2014

FINISSAGE LE 28 FEV 2014



 
 
 
 
   
Catherine Noury

DU 04 MAR AU 11 AVR 2014
FINISSAGE LE 11 AVR 2014
   
   
 
 
 
   
Romain Bernini

DU 14 AVR AU 30 MAI 2014
FINISSAGE LE 30 MAI 2014
   
   
 
 
 
   
Julien Salaud

 DU 02 AU 21 JUIN 2014
FINISSAGE LE 21 JUIN 2014
         
   
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VINCENT HÉDIN-PERRY
EXPOSITION DU 22 AVRIL AU 22 JUIN 2024
Finissage avec élèves le 22 juin  2024

 

 









Texte de Vincent Hédin-Perry :

Je fais presque exclusivement de la peinture mais lors de mes premières années à l’école*, je travaillais surtout l’installation sonore et la scénographie..

Je me retrouve beaucoup dans la notion de « liminalité », le moment où une chose, un lieu ou un être se retrouve à la frontière de deux réalités, dans un point de bascule entre ce qui est actuel et dépassé, entre ce qui est familier et étrange, entre générique et singulier.

Comment les espaces et les personnes qui nous entourent peuvent-i.els évoluer dans la manière dont on les perçoit ?

De même, j’essaye de parler de sujets comme l’isolement, l’errance ou encore le rapport compliqué entre espaces intérieurs et espaces extérieurs.

Par rapport à ces questionnements, la peinture m’offre la possibilité de mettre en scène des éléments de mon environnement personnel, les placer à distance, les transformer afin d’interroger les liens que j’entretiens avec eux.

* Ecole Nationale Supérieure d'Arts de Paris-Cergy en Création sonore, Peinture & Installation de 2017 à 2022, après un Master I&II Cultural Studies en 2017 à Sciences Po Toulouse.




Jules_Hedin-Perry

Jules, VINCENT HÉDIN-PERRY, 2023.
Acrylique sur toile, 190 x 170 cm.




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HISTOIRE DE L'ESTAMPE
TAILLE D'ÉPARGNE / TAILLE DOUCE / IMPRESSION À PLAT
Exposition du 26 février au 05 avril 2024
h

 

 

Pour faire suite à la présentation en début d'année d'une centaine d'images imprimées et emblématiques de l'histoire de la photographie sur deux cents ans, il nous est paru important de clôturer cet épisode d'exposition sans prêt d'oeuvres, en renouvellant ce concept de narration chronologique sur un médium encore plus ancien que le tirage photographique, celui de l'estampe.

La narration mettra l'accent sur l'intérêt pour les artisans, puis les artistes, de créer une matrice à des fins de reproductions faciles et rapides.

Cet art du multiple où sa première forme sur bloc de bois apparait en Chine 250 avant J.C. pour reproduire des textes boudhistes sur des texiles, participe alors jusqu'au début de la Renassance à la diffusion principalement d'images sacrées afin d'accroître le culte religieux auprès du peuple, le plus grand nombre illétrés.

Cette taille d'épargne (qui réserve les blancs, là où l'encre ne se pose pas), appelée aussi xylographie, donne place à la taille douce où successivement burin, pointe sèche puis berceau sont logés dans le creux des mains de grands maîtres -Shongauer, Dürer, Mellan, Harmenz Muller- pour dégager la matière, créer un sillon plus ou moins profonds, rechercher les textures, volumes et valeurs. 

Discipline qui nécessite une maîtrise de la main si la taille est directe, sur plaque de cuivre au début de son existence puis sur zinc (voir les estampes de Rembrandt, Munch, Degas, Piketty).

Et c'est au milieu du XVIIème que la taille indirecte fait jour, et prend la part belle dans notre exposition au vu d'un grnd nombre d'oeuvres, avec le procédé de l'eau-forte tout d'abord  (de Rubens à Diemunsch aujourd'hu), puis de l'aquatinte (de Picasso à Doig), offrant pour ce dernier des effets comparabes au lavis.





Undefined Territory I, série Les Constances, LUCILE PIKETTY, 2018.
Xylographie, diptyque, 200 x 150 cm.




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HISTOIRE DE LA PHOTOGRAPHIE
de 1822 à 2023
Exposition du 08 janvier au 09 février 2024h

 

 


 


Pour la première fois depuis 2013, nous ne sollicitons pas de prêt d'oeuvres auprès d'un artiste contemproain pour la programmation artistique de notre espace, en ce début d'année 2024.


En effet, l'association et atelier Mitch souhaite avec la monstration de plus d'une centaine d'oeuvres imprimées, vous proposer un aperçu de deux histoires riches de progrès technologiques et d'audaces artistiques, avec celle de la photographie qui est présentée actuellement jusqu'aux vacances de février, et celle de la gravure dévoilée dans notre espace à partir du 26 février 2024.

Nous choisissons de retracer par des oeuvres photographiques majeures les étapes qui jalonnent l'évolution du procédé depuis son invention, de 1822 jusqu'à 2023.

Certes, nous évoquons auprès des plus jeunes les réflexions concernant la chambre noire autant au Ier siècle avant JC par Aristote, qu'au Xème après JC par Ibn al-Haytham, ou même celles de la camera obscura à l'époque de la Renaissance.


Mais nous avons privilégier de faire reproduire sur papier pour une présentation au public ignorant de ces deux ans d'évolution et révolution photographique, des images témointes aussi de recherches créatives.

Vous retrouverez dans notre grand espace d'expositio, un extrait des débuts innovants, par les travaux de Niepce, Daguerre, Fox Talbot, Bayard, Ducos du Hauron, Muybridge, ou des frères Lumières, au parti pris artistiques par les travaux de Le Gray, Cameron, Steichen, Weston, Rodtchenko, Man Ray, Ubac, Skoglund, Blums, Levé, Schmid, Aziz & Cuchin, Poitevin, Ramette, Moulène ou Bublex.

Nnotre sélection n'omettra pourtant pas de souligner la vulgaristation de ce médium par le photo-journalisme de Capa, Doisneau, Cartier-Bresson, Evans, Weegee, Depardon, Merillon, Pernot, Fréger, Mosse, ou par une photographie plus intimiste avec les travaux d'Atget, Lange, Winogrand, les Becher, Goldin, Wall, Scherman, Dijkstra et Dobai.

 




Histoire de la Photographie





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QUENTIN GERMAIN
Exposition du 06 novembre au 22 décembre 2023
Rencontre artiste le vendredi 15 décembre 2023
8h

 









Diplômé des Beaux-Arts de Paris, Quentin Germain est un artiste dont l’œuvre se nourrit de ses propres voyages (Brésil, Liban,Chine, Ex-Yougoslavie) et de sa fascination pour l’archéologie.

Grand lecteur des romantiques allemands, ses toiles transmettent la notion de sublime, également chère à certains de ses contemporains comme Anselm Kiefer.

Il s’inspire également de l’imagerie scientifique et des atmosphères cinématographiques.

Quentin Germain est un artiste hanté par la relation que l'homme entretient avec son environnement.

Observateur de l’invisible, il s’intéresse à ce que l’on voit sans regarder, ce qui passe inaperçu.

Aux Beaux-Arts de Paris, il entreprend un travail sur les Non-lieux : autoroutes, parkings, zones, paysages anonymes et ignorés.

En 2017, il dépeint un monde irréel aux accents familiers, entre genèse et ruine. Les tableaux qui en résultent présentent des visions nocturnes où l’homme est totalement absent, mais néanmoins perceptible par les traces qu’il a laissées.

Initiée en 2018, la série des Reliquats composent une série de sculptures immergées.

Elles représentent des miniatures d'architecture ou de débris d'un inventaire non-exhaustif, de ce qui pourrait rester de notre monde dans un futur très lointain : escaliers, façades, structures, panneaux de signalisation.

Après leur conception et leur fabrication en atelier, les douze pièces qui composent la série ont été placées au fond de la mer, pour une durée d’un an.

Là, dans l’obscurité turbide de l’océan Atlantique, certaines ont disparues tandis que les autres subissaient le passage du temps, s’oxydant, se détériorant et se faisant coloniser par la faune et la flore.

Elles ont alors trouvé leur forme et leurs couleurs définitives, avant d’être finalement vernies puis enchâssées dans leur dernier écrin, des vitrines sur mesure en chêne massif et en verre.

Cette série, comme le reste du travail de Gemain Quentin sur la figure de la ruine, pose la question de l’inachèvement et de la métamorphose, de la sublimation par l’altération du temps, du rapport entre nature et culture, tout en interrogeant la symbolique formelle des
constructions du monde contemporain.





Quentin Germain
La Colline, QUENTIN GERMAIN, 2019. Huile et béton sur acier oxydé, 100x150cm.
de l’artiste


Vue Exposition
Vue d'exposition QUENTIN GERMAIN.
    Monolith #3, 2023. Huile sur toile, 120 x 80 cm.
Reliquats 2, acier, béton, coquillages, 70 x 40 x 170cm, 2019-2023.



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FRÉDÉRIC POINCELET
Exposition du 04 septembre au 21 octobre 2023
Rencontre artiste le vendredi 13 octobre 2023
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De ses premiers griffonnements pour Lune Produck, Amok ou Le Dernier Cri jusqu’à ses productions pour le collectif Fréderic Magazine, en passant par ses bandes dessinées publiées par Ego comme X, Poincelet a su faire évoluer sa patte inimitable et constituer une œuvre au long cours.

Mais un changement radical a récemment opéré dans son travail : les paysages ont pris le pas sur la figure humaine, devenue fantomatique ou reléguée au second plan.

L’artiste y escamote toute narration et toute expression au profit d’images factuelles, rémanences de lieux emprunts de poésie et de mystère.

Mystère renforcé par le fait que ces paysages à l’état brut, réalisés à partir de photographies, n’évoquent précisément rien de remarquable : un gymnase désaffecté, une barre de cité HLM, une aire de jeux pour enfants, un terrain vague envahi par la végétation, une bâtisse perdue dans la forêt…

C’est cette insignifiance apparente, cette absence même de qualité, que Poincelet s’accapare non seulement comme force de proposition plastique, mais aussi comme mise en scène de l’intime.

Délibérément dénuées de titre, ces bribes de réel font appel à une mémoire sensorielle qui induit d’emblée une forme de distanciation.

Tout se joue dans la transition entre photographie et dessin, entre l’instantanéité de la prise de vue et l’astreinte de sa réappropriation graphique.

Par la rigueur et la méticulosité de ses stries tracées au stylo Bic, rehaussées par endroits de touches de Tipp-ex, Poincelet rejoint une conception presque architecturale du dessin.

A travers les intrications de traits rectilignes et de formes géométriques – chassés croisés de courbes, d’angles et de lignes droites – se révèlent des compositions qui confinent à l’abstraction.

Derrière leur apparente neutralité affleurent cependant des sentiments ambivalents, à mi-chemin entre inquiétude et absurdité, sensualité et mélancolie.


Car Poincelet glisse toujours un détail inattendu, une forme contingente, un motif qui dénote.

A bien observer, il y a toujours quelque chose qui cloche à un endroit ou à un autre du dessin, quand ce n’est pas en plein milieu.

Ce sont parfois des humains qui surgissent comme des apparitions, figés dans des postures incongrues. Ici une lolita lascive, là un enfant égaré.

Ailleurs, un couple posant nu avec une soupière entre les mains. Poincelet cherche, creuse et finit par débusquer la beauté là où on s’y attend le moins. Un jeu de lumières, de lignes, de contrastes.

Une humeur, une ambiance. Une indicible étrangeté, une menace diffuse. La nature s’imbrique dans l’architecture, le réalisme le plus cru se fond avec l’irrationnel, dans un équilibre ténu entre la rectitude du trait et les lavis d’encres de couleurs qui irradient en arrière-plan.

De la détermination dans l’incertitude.
De la rigueur dans la désinvolture.
De l’élégance dans la trivialité.

Un registre de formes et de motifs qui semble indiquer, tel que le pressentait Barthes, que « si le monde signifie quelque chose, c’est qu’il ne signifie rien ».

Chez Poincelet, les choses sont ce qu’elles sont, et pas autre chose. Et c’est pour cette raison qu’elles demeurent impénétrables, une fois transfigurées par le dessin.

Julien Bécourt, Art Press, janvier 2017.





Frederic Poincelet
Sans titre #10, FREDERIC POINCELET, 2016. Stylo à bille et encre de couleur sur papier, 32,5 x 50 cm.


Fredereic Poincelet
Sans titre #10, série Le Palais, FREDERIC POINCELET.
Stylo à bille, encres de couleur et peinture aérosol sur papier, 65 x 50 cm022.




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JULES BERTIN
Exposition du 08 juin au 21 juillet 2023
Vernissage le mercredi 07 juin 2023
8h

 

 

Texte de CAMILLE PAULHAN, 2022 :

Lorsque Jules Bertin a commencé à peindre, il cherchait avant tout une certaine virtuosité, représentant méticuleusement des façades de maisons et d’immeubles, souvent d’après photographie.

Par la suite, de l’extérieur et de la froideur de l’architecture, il est passé à des espaces plus intérieurs, intimes et introspectifs. D’abord, il a été question de mystérieuses salles de cinéma, aux sièges bien éloignés les uns des autres et aux projecteurs éblouissants, toujours vidées de leurs spectateurs.

Depuis quelque temps, Jules Bertin peint plutôt des chambres : chambres solitaires ou conjugales, dans tous les cas des lieux où là encore la présence humaine n’est qu’indicielle.

Ici, c’est un lit défait, là des chaises qui semblent avoir été bousculées ou une table remisée contre un mur pour révéler la nudité de la pièce.

Ses peintures fantomatiques – à l’acrylique, au pastel ou les deux mêlés – nous placent dans une position délicate : nos corps n’y sont pas (encore), mais nous n’en sommes pas non plus les voyeurs.

Dans ces espaces cubiques, les arêtes s’avèrent floues, et la géométrie est changeante ; les chambres se déplient sous nos yeux comme des châteaux de cartes, les murs se courbent ou s’affaissent.

Quelque chose étouffe, et si les cloisons semblent pour certaines transparentes, les fenêtres s’opacifient, refusant un quelconque paysage extérieur au profit d’un panorama pleinement imaginaire.

Quand il évoque ses Chambres, Jules Bertin convoque un vocabulaire fusionnel : il aimerait que nous puissions être happés par elles, que leurs grands formats nous incitent à faire quelques pas pour y entrer.

Ces derniers temps, il a même fait encore plus de place aux corps, qui n’apparaissent jamais dans ses oeuvres : il a vidé de plus en plus ses pièces, reléguant les affiches, les fauteuils, les tapis.

L’invitation n’en est que plus ambiguë, car il faut bien le signaler, la grande majorité de ces chambres ne possède aucune porte de sortie, et l’enfermement guette.

À moins que ce recentrement sur soi ne soit d’abord une invitation à une contemplation silencieuse





Bertin_Mathilde
Portrait de Raphaele, JULES BERTIN. Acrylique sur toile, 141 x 210 cm, 2019.



Bertin
Sans titre I, JULES BERTIN. Acrylique sur toile, 150 cm x 170 cm, 2022.




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> 2019-20
PIERRE SEINTURIER
Exposition du 24 février au 04 mars 2020
Finissage en présence de l'artiste le vendredi 03 mars à 18h
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uxuriance et verdure.

Centralia est une ville de Pennsylvanie aux Etats Unis, désertée à la suite d’un incendie consumant inexorablement depuis plusieurs décennies sa mine de charbon en suivant le filon sinueux du minerai. Ce lieu dévasté sert de point de départ à l’imaginaire de PIERRE SEINTURIER lors de son exposition en janvier 2019 à la galerie Vallois pour offrir aux visiteurs un décor fantasmé qui, telle une oxymore visuelle, n’est que luxuriance et verdure.

Les premières œuvres les accueillaient par des plans serrés de mains en suspens face à une surface vierge. Les teintes sépia et le surréalisme des scènes présentées telles un story board plaçaient l'artiste dans la position du narrateur à l’ouverture d’une intrigue sombre.

Les espaces de la galerie étaient ensuite pensés comme un décor quasi théâtral, dans lequel un ensemble de panneaux représentaient une forêt dense aux couleurs chaudes et aux traits marqués. De grandes toiles réalisées à l’acrylique entouraient des sculptures en forme de troncs d’arbres coupés aux aspects totémiques servant de lieu de vie à des personnages et saynètes énigmatiques, dévoilaient une nature sans perspective ni transparence, une succession de plans sans point de fuite.

Dans ses peintures, ses dessins, Pierre Seinturier propose une ambiance de films de série B, que ce soit à travers ses cadrages serrés sur les visages, sa gamme chromatique jaunie comme celle d’un western spaghetti, ou les titres de ses œuvres.

Cette référence ne doit toutefois pas faire oublier la tradition picturale à laquelle il appartient : celle du portrait. PIERRE SEINTURIER se départit de la tradition et réinvente le genre en concevant des portraits qui paraissent moins individualisés, qui semble moins saisir une personnalité qu’être l’instrument d’une narration tout autant indéterminée.

PIERRE SEINTURIER, né en 1988, vit et travaille à Paris. Diplômé des Arts Décoratifs en 2011, son travail est remarqué lors du salon de Montrouge en 2013, où il remporte le Prix du Jury. Par la suite, il expose au Musée des Arts décoratifs de Lyon avec le programme des Modules du Palais de Tokyo, pendant la Biennale de Lyon. Depuis 2014. la galerie GP & N Vallois a déjà présenté son travail à quatre reprises.

L'artiste a la capacité à nous plonger dans un univers énigmatique, intimiste et mystérieux, qui attire et subjugue immédiatement le spectateur. Preuve en est, les scénographies mises en place par l’artiste, lots de ses expositions monographiques qui souvent nous projette instantanément dans un décor d’intérieur des années 40/50.

Dans l'exposition It’s a way of life! en décembre 2015 toujours à la galerie Vallois, on pense immédiatement au film Fenêtre sur cour réalisé par Alfred Hitchcock. Les fenêtres s’ouvraient sur des paysages à l’orée du bois, baignés d’une lumière de fin de journée, où des personnages vus de dos dans des postures énigmatiques attirent notre oeil.

La touche poudrée et fondue du peintre et la lumière chaude qui émanent des toiles, nous plongent au premier abord dans une atmosphère de sérénité apparente, mais le silence des scènes devient vite pesant et les poses ambiguës des personnages finissent par provoquer un sentiment de malaise et créent une tension sous-jacente.

Par son oeuvre, l’artiste fait ressortir les fantômes des habitants d'une ville abandonnée, mais aussi la nostalgie d’un monde fantasmé qui s’inscrit dans la culture américaine la plus classique, allant du Far West à Terminator en passant par Seinfeld.









Seinturier
Centralia / 011, PIERRE SEINTURIER, 2018.
Acrylique et pastel à l’huile sur toile, 195 x 130 cm.
Courtesy Galerie GP & N Vallois, Paris.


Seinturier
Who are these people? (aut victoria aut mores)
, PIERRE SEINTURIER, 2013.
Crayon gras sur papier marouflé sur bois, 51,5 x 71,5 x 2,5 cm.
Courtesy Galerie GP & N Vallois, Paris.


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> 2019-20
VINCENT RUFFIN
Exposition du 06 janvier au 07 février 2020
Finissage en présence de l'artiste le vendredi 07 février à 18h
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Homme du nord, rochelais de cœur depuis une quinzaine d’années, VINCENT RUFFIN cherche dans sa peinture à capter nos âmes, l’être humain étant son inépuisable source d’inspiration.

Sa sensibilité et ses recherches l’ont porté jusqu’à présent dans la représentation autant du souvenir de famille où peuvent se lire l’amour et les non-dits, que dans les compositions imaginaires narrant les méandres des ambiguités humaines.

VINCENT RUFFIN nous offre une peinture généreuse et sensuelle, où l'on est saisi d’emblée par la force de ses paysages et portraits, par les épaisseurs et amas de matières, par le choix des couleur. Comme s’il modelait la matière qui sort de ses pots ou de ses tubes par des angles de vue qui créent une grande intensité.

Armé d’une technique solide et affirmée, cet artiste ayant fréquenté autant les Beaux-Arts de Cambrai que la Villa Médicis, cherche à "sculpter" la peinture en travaillant le relief, la texture, le toucher, faisant d’une plaine aride un paysage escarpé, ou d’un visage lisse un faciès creusé de ruisseaux capricieux.

Chaque sujet prend des contours fugitifs d’où transpirent une émotion brute par l’histoire du modèle, ou celle qu’on croit deviner.
La couleur frissonne, modelée, saturée, tranchée dans le vif.
La courbe elle, coule en douceur, révélant toute la grâce et la fragilité du moment.

Dans ses portraits de famille, VINCENT RUFFIN peint ce que les photos ne racontent pas, comme les silences et les jours heureux que l’on laisse traîner au final dans les tiroirs, les albums, ou dans le cadre d'un salon.

Le portrait est ici prisonnier d’un temps qui n'a plus d’heures, plus d’années, un temps abandonné où le portrait s’accroche à une mélancolie voilée et douce.

Lorsqu'il est seul sur la toile, le personnage se détache d'un fond uni étalé au couteau.
S'ils sont plusieurs pour une composition rappelant celles du Caravage et
portée sur les méandres des régressions d’adultes, l'artiste proposera un décor au plus simple, un sol pour dématérialiser un horizon, un paysage ou désert industriel dont les coups de pinceau révèlent des cieux évoquant ceux de Boticelli.
>
schoolgallery.fr

Dans ces toiles immenses, les modèles semblent trouver, un certain calme, un serein repos, un endroit pour se relier, à une enfance lointaine, inconsciente et sans gêne, un stade avant les choses sérieuses et les bonnes manières, un lieu pour s’abandonner.


Au fond ces toiles
par une facture aux traits sûrs, sont des excuses pour peindre avec une rage contenue une société qui va mal, en y traduisant sa perversité, jusqu'à sa religiosité révoltante selon le peintre. en usant d'une seule matière que l’on s’approprie pour transcender son propre regard sur le monde : la couleur.

Libre, provocateur, différent, VINCENT RUFFIN offrira par une palette fouillée, une atmosphère particulière pour un univers appartenant aux domaines des songes.



 
Série Genre Manifeste, VINCENT RUFFIN, 2019.
Huile sur toile, 55 x 46 cm.



Noël
, VINCENT RUFFIN, 2012.

Huile sur toile, 73 x 54 cm.


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> 2019-20
SUZANNE HUSKY
Exposition du 4 novembre au 19 décembre 2019
Finissage en présence de l'artiste le mercredi 18 décembre à 18h

 








Dans la mythologie grecque, Khloris (ou Chloris) est la nymphe des fleurs, aimée de Zéphyr, le dieu du vent, déeese qui incarne le monde végétal dans les oeuvres de Boticelli.
On retrouve
ce prénom mythologique sur les céramiques de SUZANNE HUSKY imitant parfaitement produit et packaging à échelle réelle, série qui s’inscrit pleinement dans un engagement politique concernant le respect de la nature, des plantes.

Voir une alliance comme nos aieuls le revendiquaient, et non une ressource comme nous le faisons aujourd'hui.
SUZANNE HUSKY, diplômée des Beaux-arts de Bordeaux et d’une école de paysagisme à Oakland, a pour préoccupation principale la planète, ses ressources et les hommes qui la peuplent.
L’art est pour l’artiste un moyen de communication afin d’alerter, en sensibilisant à l’impact de la consommation sur l’environnement.
Lors du Salon de Montrouge 2017, elle dénonçait avec la Noble pastorale -oeuvre que nous avions présenté la même année dans l'exposition collective des enfants, Montrouge Fine Fleur,
les effets de l’homme sur la nature, en détournant la tapisserie de la « Dame à la licorne », la licorne remplacée par un bulldozer.
Cette « douce activiste » invite à une réflexion quant à nos pratiques quotidiennes et leurs conséquences, et digère le monde au travers de multiples mediums, du dessin à la sculpture, de la photographie à la vidéo en passant par la performance, la céramique et la tapisserie.
Protect The Sacred, sous-titre de la tapisserie USA War Rugs, ainsi que les trois céramiques extraites de la série Plantcestors, réalisées toutes deux en 2019, participent à la constatation d'une contestation mondiale, et à la revendication de l'artiste pour une éco-spiritualité.

Les fleurs, symboles de paix à une époque, sont aujourd’hui le reflet d’un environnement menacé.
Dans la tapisserie haute de 2 mêtres, la plante, terre, sorcière sont sacrées et défendues par des réserves indiennes, toutes liguées contre le Dakota Access Pipeline (DAPL), oléoduc long de 1 825 km.

En majeure partie construit, il est controversé quant à sa nécessité, ses effets potentiels sur l'environnement et ses effets sur le changement climatique.
Un certain nombre d'Amérindiens s'y sont opposés pour son passage près de la réserve indienne de Standing Rock.
Ce désastre écologique et spirituel sans précédent pour les Indiens d'Amérique.
Ce contraste récurrent dans ses oeuvres entre un dessin qui peut sembler naïf ou enfantin et le propos qu’il aborde, donne une force supplémentaire au sujet d'être "Gardien" de la terre. Il suffit d'observer les différents émaux de Plantcestors pour comprendre ce qu'est notre appartenance au monde.
SUZANNE HUSKY témoigne ici de ses expériences successives -entre autre lors du workshop "Sacred Earth" de Starhawk- de ne faire qu'un avec la terre, celle-ci devenant notre propre corps, de respecter l'air qui est notre propre souffle, le feu qui est notre énergie, et l'eau qui fait partie de nos fluides a l'intérieur de nous. De décomposer les éléments pour comprendre notre appartenance, de devenir la molécule, puis la séve d'un arbre, le bourgeon, sa feuille, faire partie de tous les fluides de la terre.


Libre, provocateur, différent, VINCENT RUFFIN offrira par une palette fouillée, une atmosphère particulière pour un univers appartenant aux domaines des songes.




Série Douceurs des fleurs, SUZANNE HUSKY, 2018.
Céramique, dimensions variables.


USA War Rugs, SUZANNE HUSKY, 2019.
Tapis en laine vierge, 152 x 204 cm.


Plantcestors, SUZANNE HUSKY, 2019.
Céramique, dimensions variables
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> 2019-20
LUCILLE PIKETTY
Exposition du 02 septembre au 18 octobre 2019
Finissage en présence de l'artiste le mercredi 17 octobre à 18h.

 







Dans la série Les constances de 2016-2019 de LUCILLE PIKETTY, des personnages féminins apparaissent et disparaissent, se démultiplient ailleurs dans des chorégraphies énigmatiques.

Tandis que le spectateur ignore tout de ce qui se trame, il est mis en présence d'une action suspendue, en attente de devenir.

L'artiste affirme une quête personnelle voire autobiographique dans ses gravures de 2 mêtres de hauteur. Elle y conjugue l'ordinaire et le banal avec une dimension tant étrange, merveilleuse qu'hallucinatoire.

Puisant dans ses propres souvenirs, ceux issus de longues promenades au sein de la forêt de Saint-Germain-en-Laye, et s'inspirant de l'histoire de l'art, l'artiste met en scène sa soeur.

Le titre Les constances, renvoie à l'idée de constance, d'un motif répété obstinément et évoque également le prénom du modèle.

La figure féminine, omniprésente, revêt un caractère hiératique, principale protagoniste, chimère d'une scène dont le spectateur n'a pas les codes.

Ces gravures s'incarnent telles des confidences dites au creux de l'oreille et nous invitent à contempler une chorégraphie du temps qui s'écoule.

Alors même qu'il n y a pas d'effacement possible en gravure,  LUCILLE PIKETTY défie la technique elle-même jusqu'à l'épuisement de la taille de la pointe sèche, et requestionne ce savoir-faire par des transparences, des jeux de nuances entre les noirs et les gris, et par des techniques d'impression inédites sur papier japonais.

Oscillant entre contrôle et hasard, elle représente et matérialise des strates temporelles, celles de l'oubli et de la mémoire.

Sans neutralité, ses paysages basculent de la ville à la forêt, entre nature et histoire, entre végétal et béton.

S'il s'agit de faire image avant tout, la gravure démontre sa spécificité, celle d'un dessin dans la matière à l'aspect velouté et mousseux grâce à cette technique de la pointe sèche.

Entre ombres et lumières, désir et répulsion, la forêt, décor privilégié des contes, incarne le lieu de la métamorphose et la fascine en tant que motif ambivalent et troublant.

Cette exploration subjective de quelques pérégrinations à la pointe sèche ou aux pastels, est loin d'être une simple « toile de fond » pour l'artiste.

La Stimmung de ses paysages, oniriques et fantasmagoriques, est faite de multiples récits rehaussés par la présence graphique d'arbres dénudés, noirs et sombres.

À travers cet univers tant cinématographique que littéraire de la forêt, LUCILLE PIKETYmet en déroute notre perception afin de nous conduire au-delà de la gravure




Undefined Territory I, série Les Constances, LUCILE PIKETTY, 2018.
Xylographie, diptyque, 200 x 150 cm.


  Sans titre, série Les Constances, LUCILE PIKETTY, 2019.
Pastel sur papier, 71 x 95 cm.

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> 2018-19
EMILIE BAZUS
Exposition du 06 avril au 27 juin 2019.
Finissage en présence de l'artiste le mercredi 26 juin à 18h.

 









Ce qui semble unir les différents travaux d'EMILIE BAZUS est autant basé sur la recherche à mettre en danger sa pratique picturale en tant qu'artiste, que de portraitiser une humanité anonyme.

Après des années d’études dans l'atelier de Jean-Michel Alberola à l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris,
le ressenti d'un vécu inédit lors de voyages entrepris à la même époque (Inde, Népal, Afrique) oriente son travail vers une approche picturale, formant son regard et sa sensibilité à la lumière, la couleur et la matière.

Peinture figurative tout d'abord,  pour une composition quasiment abstraite sur des gros plans de morceaux de corps avec étoffes de vêtements traditionnels, toutes origines confondues, afin de mettre en lumière ce qui les rassemblent par cette saturation des motifs ornementaux. Sous forme de diptyque, ces fragments de personnages sont mis en relation à des natures mortes d'accumulations agrandies d’objets de consommation courante qui deviennent à leur tour des éléments ornementaux, des motifs.

S'en suit une recherche plastique en parallèle de l’huile, acrylique, gouache et monotype, sur une série de paysages pour une image toujours très immersive par des techniques mixtes en noir et blanc, l'oeuvre devenant une sorte de «all-over» avec différents plans afin de faire naître une profondeur nouvelle dans le travail de l'artiste.
La dernière série achevée en 2018,
Anonyme, s'éloigne des couleurs sourdes et matières mates chères à l'artiste jusqu'à alors. Crée autour de la problématique de l’accueil des migrants en France, elle est né à partir d’une révolte politique liée aux habitats précaires, visibles aux portes de Paris ou au bois de Vincennes, ainsi que dans les campements de Calais ou de Grande-Synthe.

EMILIE BAZUS cite les propos de Joy Sorman décrivant ces cabanes, où un soir d’hiver l'auteure découvre ces campements sous une autre lumière, celle des feux de bois qui les éclairent et qui dégage une humanité : "Éclairé par les flammes, l’oeil y voit quelque chose de l’ingéniosité humaine qui empiète sur la détresse. "

C’est un peu ce sentiment qui prévaut des œuvres d'EMILIE BAZUS, lors de la vision de ces abris de fortune qui n’en finissent pas de prolonger le calvaire de ceux auxquels ont refuse le respect dû aux humains.

Par des pigments fluo que l'artiste utilisent pour préparer ses fonds, ces couleurs se sont imposées pour la guider à représenter ces lumières surgissant des cabanes mais aussi les lumières d’un ciel au soleil couchant, ou se reflétant dans les flaques d’eau.

" A travers la lumière emmenant de mes cabanes, c’est l’humanité que je cherche à traduire ", ajoute-t-elle.

Dans cette jungle, Emilie constate que la seule constellation visible est celle de la myriade des braseros entretenus par les candidats à cet impossible eldorado dans cette survie à créer des lieux de vie, avec trois bouts de ficelles, couvertures et bâches, pour créer un lieu habitable malgré des moyens très rudimentaires.

On y voit là une précarité d'une construction certes, mais aussi une ingéniosité et créativité de l'humanité.




Bazus-AnonymeX

Anonyme X, 2018.
Huile sur toile, 130x162 cm.


Anonyme I, EMILIE BAZUS, 2018.
Huile sur toile, 27x35 cm.


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> 2018-19
ICINORI
Exposition du 11 mars au 19 avril 2019
Finissage en présence des artistes le jeudi 18 avril à 18h

 









Cherchant à éprouver la matérialité de leurs images, expérimenter l’union triangulaire entre le dessin, le papier et la couleur pour tenter d’en faire une matière sensible, Raphael Urwiller et Mayumi Otero fondent lors de leur enseignement aux Arts Décoratifs de Strasbourg, ICINORI.

Passionnés par l’image imprimée, l’estampe et le dessin contemporain, la sérigraphie s’est vite imposée comme un médium d’apprentissage incontournable.

ICINORI est devenu alors complémentaire à leurs travaux de commandes en tant qu'illustrateurs, avec une aire de liberté totale, un espace de recherche indépendant pour inventer de nouvelles solutions aux travaux, pour réinvestir ces trouvailles dans des projets basés sur des dialogues enrichissants avec le commanditaire.

Ils aiment concilier des antagonismes très référencés, étendre au maximum leurs aires d’inspiration hors du champs de l’illustration contemporaine : invoquer le constructivisme monolithique russe et tenter de le faire dialoguer avec la gravure baroque du 19e, ou jeter la sculpture pop 70’s contre l’estampe japonaise…

La gymnastique graphique semble parfois fastidieuse mais reste excitante pour les dessinateurs. Pour preuve, s'essayer à la construction de popups, qui du reste trottait dans la tête de Raphael depuis très longtemps, suite à la découverte de ceux de Kubasta dans une librairie.

La simplicité et l’ingéniosité mise en oeuvre offrait un contraste assez intéressant fâce à cette puissance de  livres, reliés de façon très approximatives, imprimés sur un gros carton brunâtre.

Il y avait là pour le couple une possibilité de résonance entre la puissance brute de ces objets et la densité de la sérigraphie, celle-ci associée à leurs univers personnels.

Construction, Mauvais tours par exemple, Et Puis ont permis de leur laisser une liberté de création totale, tant dans le dessin qu’au niveau de l’histoire et redécouvrir le médium livre tout seul, le réapprendre, le reconstruire.

Il en résulte des contes un peu étranges, des objets qui font sens à 50 exemplaires, résultats d'une envie égoïste : plaisir du fait main et rapport direct avec l’acheteur.

maison d'éditions expérimentales





Promenade au musée
, Mayumi Otero, 2011.
16 illustrations sérigraphiées, éditions Rmn-Grand palais, 15x22 cm.




Et Puis, ICINORI, 2018.
12 illustrations, éditions Albin Michel, 28,5 x30 cm
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> 2018-19
THOMAS SAUVIN
Exposition du 07 janvier au 22 février 2019
Finissage en présence de l'artiste  le jeudi 21 février à 18h

 









Depuis 2009, le collectionneur et conservateur français THOMAS SAUVIN installé en Chine 6 ans auparavant se lance dans une aventure insolite : acheter au kilo des sacs entiers de milliers de rouleaux de films négatif poussiéreux et les sauver de la destruction dans une entreprise de recyclage de nitrate d’argent , celle-ci située en bordure de la capitale.

Le collectionneur dispose alors de plus de cinq cent mille clichés anonymes couvrant l’histoire de la photographie analogique populaire en Chine

Cette sorte de « mine d’argent » a donné son nom à l'un des projets d’archives les plus importants en Chine: Beijing Silvermine.

Ces photographies de famille rescapées, puis sélectionnées, numérisées et classées, offrent aujourd'hui une représentation unique et authentique d'une grande diversité de chinois dans leur vie quotidienne, immortalisant des moments heureux, et documentant une période allant de la fin de la révolution culturelle à l’avènement du numérique, la Chine des années 1985 à 2005.

Photos intactes ou abîmées, images nettes ou parcourues de tâches, cadrages approximatifs ou remarquablement composés, l’œil affuté de THOMAS SAUVIN étudie, analyse et détourne l'incongru et le trivial.

Nous ne connaissons pas ces personnes, nous reconnaissons peut-être quelques endroits, mais le flou fait place à l’imagination et nous nous surprenons à inventer une narration.

Ces photographies vont à l’encontre de toute catégorisation. Ni artistiques, ni documentaires, originellement privées mais devenue publiques, représentant un quotidien devenu historique, les images bluffent par leurs lectures et interprétations multiples.

Alors que l'archive photographique est une espèce rare dans l’Empire du Milieu, le siècle turbulent qu’a été le 20eme siècle aura suffit pour détruire la quasi totalité des archives tant privées que publiques

Beijing Silvermine est un labeur individuel ayant des répercussions sur notre mémoire collective et sur la connaissance d’un passé proche sur le point d’être oublié. Le collectionneur et artiste en le sauvant, donne la possibilité non seulement de le transmettre mais aussi de le réinventer, afin de le rendre plus vivant que jamais.


A partir de cette série, THOMAS SAUVIN travaille en collaboration avec des artistes, graphistes, sociologues qui viennent à ses côtés étudier et détourner cette masse d'images pour leur apporter un nouvel éclairage.
Recycling and memory de l'artiste Lei Lei.


Série Suns And Moons, photographie anonyme, début 1980.
Beijing Silvermine, THOMAS SAUVIN, 2009-2019.
Tirage jet d'encre contrecollé sur Dibond, 80 x 60 cm.

EN SAVOIR PLUS

Thomas Sauvin
Femmes & Frigos, photographie anonyme, années 1980.
Beijing Silvermine, THOMAS SAUVIN, 2009-2019.
Tirage jet d'encre, 40 x 52 cm.


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> 2018-19
MICHEL TEMIM
Exposition du 05 novembre au 21 décembre 2018
Finissage en présence de l'artiste  le jeudi 20 octobre à 18h

 








Une fois n'est pas coutune, voici les travaux d'un pur autodidacte, Plus qu’un peintre de scènes, MICHEL TEMIM, né en 1957, est un peintre de l’instant.

Saisir le moment que tout le monde voit sans y prêter attention, lui permet d’établir ainsi le postulat de départ. Toutefois, ce n’est pas tant retranscrire le quotidien qui intéresse l’artiste, mais plutôt saisir le parallèle qui existe entre gens modestes et puissants. Démontrer la drôle complexité de l’être humain.

L'artiste poursuivant une pratique assidue du dessin et de la peinture à l'huile dès son jeune âge, il évoquera aujourd'hui un manque volontaire de préparation sur papier pour une ébauche rapide sur la toile, tout en présentant une maîtrise parfaite de glacis par de multiples couches de couleurs afin de créer une atmosphère propre à son écriture.

La peinture figurative de MICHEL TEMIM est résolument tournée vers l’universalité de l’existence humaine au travers d'instantanés de vie d’anonymes auxquels tout un chacun peut s’identifier.

Fin observateur du monde qui l’entoure, l’artiste s’inspire de son histoire personnelle, et se nourrit des images de son enfance pour retranscrire sur toile des moments de vie de ses contemporains.

De courtes histoires ou des légendes urbaines fortement inscrites dans le réel se transcrivent par une lecture approfondie par le peintre qui cherchera à témoigner du sens intemporel de l’existence.

L’humain demeure au centre de son travail. Ses personnages souvent solitaires, remplissent la toile. Peints avec bienveillance, ils évoluent dans un décor simple représenté sans artifice ni fioriture qui situe l’action avec précision.

Réalisées dans des couleurs vives, ses peintures confinent parfois à la caricature, usant d'une palette nous rappelant l'audace et la nouveauté des recherches chromatiques des fauvistes, avec des larges aplats aux couleurs pures, mais ne souffre d’aucune agressivité, pour ne pas
s’embarrasser d’artifice spectaculaire et séduisant.

Bien au contraire, ses sujets sont traités sans jujgement, même s’ils expriment la gravité et la difficile place de l’homme dans la société.


Plutôt que de tenter une reconstitution exacte, l’artiste offre l’espace d’une vision singulière, avec un grand attachement à représenter de manière quasi analytique l’atmosphère d’un film muet en couleur où le temps se serait interrompu dans une rêverie, amorcer un scénario que le spectateur aura le loisir de faire évoluer à sa guise.


Son objectif : "rechercher le côté insolite d'une situation urbaine courante pour la replacer sur la toile, et lui rendre toute la force narrative en utilisant les techniques les plus traditionnelles du dessin et de la peinture".

L’expression d’une figuration pure et volontairement décalée de trop de précisions graphiques permet à l'artiste une atmosphère propre à son écriture.




MICHEL TEMIM
No U Turn, MICHEL TEMIM, 2015.
Huile sur toile, 81 x 65 cm.


MICHEL TEMIM
Doute, MICHEL TEMIM, 2015.
Huile sur toile, 130 x 89 cm.


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> 2018-19
THOMAS WAROQUIER
Exposition du 03 septembre au 19 octobre 2018
Finissage en présence de l'artiste  le jeudi 18 octobre à 18h

 








Né en 1996, THOMAS WAROQUIER vit et travaille à Paris. Prix spécial du public du Prix Maif pour la Sculpture 2017 et de la deuxième place nationale du Prix Avenir métier d'art 2018, l'artiste est diplômé en sculpture de l'atelier métal de l'ENSAAMA Olivier de Serres.

Il y apprend la technique artisanale de la dinanderie, la mise en forme des métaux en feuilles, appliquée à la sculpture.

Il assiste plusieurs artistes français et internationaux comme Mylinh Nguyen (Prix Bettencourt pour l'intelligence de la main), et surtout Al Farrow à l'exposition permanente du De Young Museum de San Francisco, ce dernier représentant en volume des reliquaires chrétiennes, des mosquées islamiques et des menorah juives, dont la matière première n’est autre que des munitions, des grenades à main, des fusils et pistolets désossés, dans le but de représenter les violences inhérentes à l’histoire de ces religions.

Depuis, Thomas travaille sur le thème des "gueules", série de sculptures et peintures s’articulant autour de l’idée de perte ou d’obtention d’identité par altération du visage : l’un subi, l’autre voulu, l’un traumatique, l’autre initiatique.

THOMAS WAROQUIER s'est replongé 100 ans après la boucherie de la Grande Guerre dans l’histoire des gueules cassées, soldats et hommes devenu monstres par leurs blessures qui les ontdéfigurés.

Mais pour nous rappeler aussi combien d'hommes la guerre marque encore aujourd'hui dans leur chair, combien est grande la bétise des ingénieurs actuels fabricant des armes encore plus bessantes qu'il y a un siècle.


Comment rendre compte de la violence, comment essayer de souligner l’humanité ensevelie sous les blessures ?

Ses recherches se sont portées ensuite sur les modifications corporelles à but identitaire et communautaire d’Afrique de l’Est.

Les hommes modèlent, sculptent leur visage pour appartenir aux codes de leurs socié­tés.

Avec Mursi, Création réalisée dans le cadre d’un Diplôme des Métiers d’Art (DMA) à l’École nationale supérieure des arts et des Métiers d’Art et où il recevra le Prix Avenir Métiers d’Art INMA, THOMAS WAROQUIER revisite les traditions du peuple éthiopien éponyme par le truchement du métal.

Modelage, ciselure et dinaderie façonnent un masque orné de scarifications, entre tension et sensibilté.


Comment sublimer la blessure et ainsi venir parer le corps de sacré ?

À travers ces projets, l'artiste questionne la notion de recevabilité : comment les codes socio-culturels déterminent ce qui est acceptable et ce qui ne l’est pas ?

L’expression d’une figuration pure et volontairement décalée de trop de précisions graphiques permet à l'artiste une atmosphère propre à son écriture.



THOMAS WAROQUIER
Souvenons-nous que la guerre défigure, Hommage aux gueles cassées,
série Les Gueules, THOMAS WAROQUIER, 2018,
Sculpture, étude en plâtre, 70x40x40 cm

 

THOMAS WAROQUIER
Mursi, série Les Gueules, THOMAS WAROQUIER, 2017,
Sculpture en métal repoussé, 60x30x40 cm
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> 2017-18
SYLVAIN GRANJEON
Exposition du 30 avril au 08 juin 2018
Finissage en présence de l'artiste  le mercredi 06 juin à 18h

 


Autrefois comédien et circassien, SYLVAIN GRANJEON vient du monde du spectacle où la photo est toujours présente, dans les coulisses ou sur les routes.

C’est après avoir tourné pendant vingt ans avec sa compagnie de spectacle de rue qu’il change sa façon de faire des images et se dirige vers la photographie d’auteur.

Le cirque, le burlesque et la dérision ne sont cependant jamais loin de son univers photographique.

Dans les séries Zidiomatiks et Zuper, l'artiste use de la photographie comme forme d'artisanat avec des techniques argentiques tel le photo-montage, collage, découpage, colorisation à l'encre, pour se mettre en scène et évoquer le jeu.

À l’aide de fil nylon et collages, SYLVAIN GRANJEON réalise alors une deuxième image en moyen format et effectue un nouveau tirage pour le coloriser à la main, qui lui attribue alors un aspect unique et précieux.

Alors que ces deux dernières séries se rejoindront sur le jeu clownesque et naïf, pour l'un par les expressions idiomatiques de la langue française, pour l'autre par la réprésentation d'un super héros sans pouvoir mais persuadé qu’il en possède, SYLVAIN GRANJEON évoque pourtant une certaine profondeur dans ses travaux.

En témoigne la série Je suis né Arc-en-ciel, rejoignant Mister Zuper certes sur les thématiques de notre rapport complexe au temps, à la mémoire et à l’enfance, mais aussi sur l'espoir d'être un autre, d‘échapper à sa condition, de sortir des sentiers tracés.

C'est en 2014 que l'artiste trouve, sur le marché Biron à Paris, une malle contenant les affaires d’un monstre de foire, l’Homme Arc-en-ciel :
" Cet homme, narre l'artiste, a été exhibé dès son enfance dans de nombreuses baraques foraines.
Le public «voyeur» fréquentant ces baraques venait assouvir un instinct primaire, se rassurant de sa normalité au contact du monstrueux."

Et parce que SYLVAIN GRANJEON juge l’humour peu présent dans la photographie contemporaine, il crée une véracité à cette fiction en affirmant que le "monstre" dont il estime ses dates autour de 1890-1965, a eu une femme,
"monstre" elle aussi, la femme aux cheveux qui brulent perpétuellement, et que de cette union est née une fille, Rosalie.

Le personnage est aussi artiste, et bien entendu ses "présumés" carnets nous montrent l’autodérision qu’avait l’Homme Arc-en-ciel sur sa condition, avec une richesse esthétique et style graphique évoquant les surréalistes de l’époque.

"Cette distance, précise SYLVAIN GRANJEON apporte un éclairage différent sur la vie des monstres, souvent appréhendée, dans la littérature et le cinéma, par le prisme de la souffrance."

Enfin, dans la veine du jeu et de la transformation, l'artiste et photographe créé la série Douce amère, où des masques sont collés sur le visage de sa fille, lui prêtant une gravité qui ne sied pas aux enfants de son âge.

"J’espère avoir aborder avec ce travail la quête éperdue de l’adulte vers l’image mythique de son enfance, à l’origine de toutes nos émotions."



SYLVAIN GRANJON
Série Je suis né Arc-en-ciel, Sylvain Granjon, 2017.
Photographie anonyme colorisée à l'encre, 8.3 x 13 cm
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SYLVAIN GRANJON
Série Mister Zuper, Sylvain Granjon, 2015.
Tirage argentique colorisée à l'encre, 20 x 20 cm
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> 2017-18
B-A-BA DESIGN
V. de Seze / M. Venot / Campana Bro. / T. Lemut / B. Lacourt / I. Vautrin
Exposition du 05 mars au 13 avril 2018
Finissage en présence des designers le mercredi 11 avril à 18h.


 


Avant tout métallier d'art,
VIANNEY DE SEZE gère autant une manufacture de meubles d'exception, qu'un réseau d'artisans qu'il représente : boiseux, métallurgistes, pierreux, céramistes, tapissiers, doreurs, patineurs, finisseurs.

En tant que designer, il utilisera des matériaux nobles, pour des objets à usage domestique, en tachant de rester au plus proche de leur essence première, comme préférer les patines aux vernis.

La Baywatch Chair, extrait de la série déclinée à partir de la chaise Polyprop de Robin Day, présente une structure en fer à béton à l'esthétique Effeil faisant office de piétement et d'escalier, afin de redécouvrir l'assise gainée de cuir peint, ici encore à l'esthétique triangulaire.

Dans l'esprit qu'invoque VIANNEY DE SEZE concernant l'équité entre artisans, designers et industriels, cinq pièces de quelques uns de ses contemporains dont le combat est proche sont présentés :

- La table et chaise en hêtre européen Elephant de MARC VENOT qui réussit à combiner les paradigmes de la Physique (sa première formation), à l'inverse de celui de Charles et Ray Eames qui jamais n'atteignèrent en 1945 une production en série en raison des courbes complexes de leur version à l'époque, mais qui ici sont figurées par des lignes simples, des formes épurées, des finitions impeccables incarnant la synthèse parfaite entre forme et fonction.

- Le fauteuil Corallo, de FERNANDO et HUMBERTO CAMPANA, résultat d'un tressage irrégulier de métal rouge corail, courbés à la main et qui évoque volontiers pour les frères designers, le motif du coquillage, élément décoratif fréquent à la fois dans l’art baroque mais aussi dans l’artisanat traditionnel des Indiens, pesonnifiant ainsi leur principale source d’inspiration, la culture du Brésil, avec la diversité de ses influences, sa mixité sociale, l’économie de moyens et son ’artisanat.

- Les chaises Chadro mini de BERTRAND LACOURT dont le goût pour le minimalisme est un principe qui s’applique au procédé de fabrication, avec des techniques primitives de taille directe, en remplaçant simplement les haches par des tronçonneuses, pour ébaucher des formes in situ dans une matière brute, à même les grumes, pour en ressortir un monoxyle de frêne.

- Trois céramiques de corpulence identique, série Bec de IONNA VAUTRIN, où seul le dessin du bec et du plumage définit leur espèce mais aussi leur caractère, -une mouette sage et docile, un toucan fier et arrogant, un canard naïf et malicieux-, et incarnant ainsi par par ces formes douces, rondes et libres, un véritable défi pour l’industrie habituée à une esthétique ambiante angulaire.

- Et enfin, la liseuse Pole-lamp de THOMAS LEMUT,  tour à tour  sculpteur, ouvrier, producteur de films, directeur artistique, et qui considère a contrario que la fonctionnalité est au service de l’esthétique.

Liseuse muée ici par un système mécanique constitué d’un corps en tube inox sur lequel viennent s’ajuster 6 carrés et 2 méplats en métal massif.

Tous les métaux utilisés ont reçu un traitement et polissage particulier.

Aucune soudure, tout est assemblé par vis et entretoise interne, dont les cinq lamelles de 235 cm de hauteur par 5 cm de largeur en frêne, hêtre, chêne, sycomore et acacias chacune.

À hauteur de 115 cm, un clapet, réglable à 135 degrés environ, s’ouvre sur deux leds qui s’allument automatiquement.

En refermant ce clapet, un interrupteur dissimulé éteint la lumière.




Vianney de Seze
Baywatch Chair, Vianney de Seze, 2012.
Chaise Polyprop de Robin Day, assise gainée de cuir peint, piètement en fer a béton.
Dimensions : H220 x L100 x P150
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Thomas Lemut

Liseuse Pole Lamp, Thomas Lemut.
Hêtre, frêne, chêne, sycomore, acacias – inox et laiton
Lampe H 210 x l 5 x P 5 cm – Sol au plafond H 250 / 320 cm.


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> 2017-18
FLORIAN MERMIN
PRIX KRISTAL - SALON DE MONROUGE 2017
Exposition du 08 janvier au 16 février 2018
Finissage en présence de l'artiste le 14 février à 18h

 


Texte de LORIANNE FIRMM :

Aborder la sculpture comme un échantillonnage de formes tridimensionnelles aux allures d'objets à la limite de l'utilitaire semble constituer le véritable fil de l'exposition.

A travers une sélection d'œuvres réalisées entre 2015 et 2017, FLORIAN MERMIN fait pour la première fois état/étalage d'une proposition radicale uniquement composée de céramiques de tailles moyennes noires et blanches. Droites et courbes se côtoient dans la rencontre des céramiques avec leur socles respectifs de bois ou de métal. A la fois ligne et chemin, la succession de pièces retracent de manière démonstrative l'itinéraire emprunté par l'artiste au cours de son processus créatif de ces deux dernières années.

Tout à la fois anthropomorphe, animale et végétale, l'exposition propose un face à face direct entre les pièces et le visiteur dans une reproduction d'un espace "naturel", composante essentielle et récurrente dans les installations de l'artiste depuis quelques années. Fond bleu, terre et autres brindilles sont les éléments dressant la toile de fond permettant aux sculptures de prendre place dans un et même espace suggestif mais non identifié.

A la fois scène d'extérieure à la tombée de la nuit et intérieur domestique au décor peu confortable, l'exposition se présente comme une galerie de portraits ou chaque sculpture est le fruit d'une hybridation à l'image du rideau de fond, tissé de fils de coloris différents.

Vase mains, vase chardon, pot singerie, cactus livide, ces objets étranges et familièrement nommés semblent contenir dans leur ADN le gène de la dualité.
En effet, toutes ces céramiques inspirées par des objets qui entourent le quotidien de l'artiste ont été modifié considérablement annulant presque leur fonctions et leur utilités.

Les vases, les boites, les pots et même les boites à mouchoirs se retrouvent devant nous dans des aspects rebutants et aux textures rugueuses, transformés comme par magie ou victimes de mauvais sorts. Ni pots de fleurs ni cache pots, les sculptures de FLORIAN MERMIN ne sont pas dotées de trous permettant l'évacuation du surplus d'eau (propre au pot de fleurs) pour la plante ou la fleur qui en habite l'espace intérieur.

De plus il ne s'agit pas non plus de récipients décoratifs destinés à accueillir une plante (et son pot) et donc à présenter un objet plus décoratif que le pot lui même.

En revanche certaines des sculptures sont manifestement plus limitrophes avec l'idée de faire corps avec l'objet du vase. Si on se réfère aux différentes appellations d' éléments qui compose cet objet, il est facile de constater sa relation au corps depuis l’Antiquité : pied, épaule, cou, bouche, lèvre ... autant de mots qui font la part belle à la fragmentation de l'anatomie humaine et qui font sens au regard des céramiques parfois mises en relations avec des végétaux.

Dans les installations de FLORIAN MERMIN, les éléments vivants fleurs et plantes ne survivent guère bien longtemps au fil des expositions. Les fleurs fanent, et les plantes s'assèchent peu à peu. Si la nature meurt dans les installations de l'artiste c' est peut être pour mieux nous rappeler que les sculptures aussi sont fragiles.


De plus, pour devenir céramique la terre doit elle aussi séchée. Elle est ensuite cuite une première fois puis une deuxième pour fixer en état l'émail coulant cristallisé.

A l'image de cette technique, l'artiste semble explorer les notions de la transformation physique des choses, de changement réel de formes et d'états. L’expression d’une figuration pure et volontairement décalée de trop de précisions graphiques permet à l'artiste une atmosphère propre à son écriture.




FLORIAN MERMIN

Prendre et garder, 2017.
Céramique peint et vernis, 30x30x30 cm

 

FLORIAN MERMIN

Sans titre (veuve noire), 2017.
Céramique émaillée et métal, 70x60x60 cm.


FLORIAN MERMIN

Belle soupirante, 2015.
Céramique émaillée, 50x40x40 cm.



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> 2017-18
ADEL ABDESSEMED
Exposition du 06 novembre au 22 décembre 2017
Finissage le 20 décembre 2017 à 18h

 


Sur une piste de l’aérodrome de Valence, le corps renversé d’ADEL ABDESSEMED est suspendu au-dessus de deux grandes plaques de bois, les pieds tenus par un filin depuis la plate-forme d’un hélicoptère.

L’appareil tente de maintenir sa verticalité à quelques mètres du sol et une problématique immobilité.

L’artiste, lui, tente dans ce renversement physique de dessiner le tableau peint par Géricault en 1818-1819, Le Radeau de la Méduse.
Dessiner en résistance aux déplacements soudains de l’appareil, dessiner dans une mise en danger, dessiner contre la peur.

Les lignes tracées à la pierre noire en constante menace de déséquilibre dans l'acte de ADEL ABDESSEMED enregistré en 2007, Helikoptère, livre un dessin arraché par un artiste en état de risque.

Le corps humain et l'art, tels de fragiles résistants aux bourrasques meurtrières du monde contemporains, ésquissent des arabesques fragmentaires et aléatoires, en des décentrements indomptables.

Arabesques toujours, avec la figure dominante du cercle dans la vidéo God is Design, qui n’est pas sans évoquer l’éternité.

Vidéo hypnotique au son volontairement très puissant, l’artiste met bout à bout trois mille cinquante dessins, noir sur blanc, de motifs ornementaux reprenant les symboles des trois grandes religions monothéistes (le judaisme, le christianisme et l’islam) et les symboles reprenant le schéma de la cellule humaine qui s’y entrelacent au rythme d’une musique aussi enivrante, à la limite de l’hallucination sonore.

Les motifs, à peine a-t-on le temps de les détailler qu’ils s’effacent et sont remplacés par d’autres.

L'animation montre de nouvelles images pieuses, celles du capitalisme, le Coca-Cola, le dollar ou le robot à la conquête de l’espace.

Si les valeurs occidentales paraissent triomphantes, elles n’en sont pas moins friables. Cette constatation est d’autant plus frappante que l’infini entre en jeu et place ces symboles sur une autre échelle.

L’infini peut donc être appréhendé comme répétition exponentielle.

La vidéo est réalisée en 2005, quelques années après avoir quitté New York suite à l’ambiance "invivable" qu’avait provoqué le Nine Eleven (11 septembre 2001).

L’artiste s’est senti indésirable dans cette ville à cause des amalgames que font alors un grand nombre d’américains en considérant tous les arabes, les musulmans et les personnes issues du Moyen Orient comme des terroristes potentiel.


En regard des arabesques fragmentées, une reproduction de l'eouvre Telle mère tel fils réalisée en  2008 présente trois cockpits et trois queues de fuselage d’avion tressés  par de longs et souples tuyaux de toile.

Trois petits avions californiens usés rappelant des jouets, reproduisent la tresse de sa mère.

Devenue créature énorme, 27m de long, cette œuvre souligne l'interdépendance de la mère et de l'enfant.

L'oeuvre prend source dans l'histoire de l'artiste, ainsi que dans une société actuelle, l'imbrication des mondes née de la globalisation, l'artiste précisant que " la tresse de carcasses d'avions est une tresse de tension ".

Sculpture du désastre avec des matériaux évidents et immédiats, l'oeuvre participe à la représentation du naufrage en une étrange violence, en une étrange douceur. Monde en transit de lui-même.

Il parle de la construction de cette pièce comme un recyclage en rendant explicitement hommage à un autre mode de productivité que l'artiste identifie à la figure de sa mère, à sa capacité créative à rassasier ses enfants quel que puisse être le niveau de vie du moment du groupe familial, et quels que puissent être les matériaux et les outils disponibles.

« Le recyclage des matières est ma relation avec les images », dit-il. Ce nœud d’avions, de véhicules de voyages d’un point de départ à un point de retour, signifie bien la perte d’origine que porte la globalisation.



ADEL ABDESSEMED

Helikoptère, Adel Abdessemed, 2007.
Vidéo, 3 min. Pastel à l'huile noir sur panneaux bois, 91 x 716 x 1,3 cm.


ADEL ABDESSEMED

God is Design, Adel Abdessemed, 2005.
Vidéo, 4'08".



ADEL ABDESSEMED

Telle mère tel fils, Adel Abdessemed, 2008.
Avions, feutre, aluminium, 400 x 2700 x 500 cm.

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> 2017-18
ALINE ZALKO
Exposition du 04 septembre au 20 octobre 2017
Finissage en présence de l'artiste le 07 octobre 2017 à 15h

 


Aline Zalko est une dessinatrice née à Paris. Elle commence à travailler comme illustratrice pour le New York Times et le New York Times Book Review. Depuis ses dessins ont été publiés dans la presse et édition françaises.

Son travail se compose aussi de dessins plus personnels exposés en 2014 à la Galerie Dérouillon, au Salon de Montrouge de 2013, au Drawing Now - le Salon du Dessin Contemporain, au Centre Culturel Suisse, et à la Galerie du Jour Agnès B.

ALINE ZALKO :
« J’ai commencé à dessiner la ville en arrivant à New York quelques mois avant le 11 septembre. J’étais fascinée par la reconstruction permanente de la ville sur elle-même, son avancement continu.

Je me suis mise à dessiner les sites en construction entourés de buildings, les gros trucks américains, les Caterpillars…

Au cours de cette période j’étais fortement inspirée par les photographies de Walker Evans, le travail de Saul Steinberg, le pop art et aussi les dessins que Fernand Léger a fait de la ville.

Aujourd’hui je dessine la ville un peu comme je fais un portrait. J’accentue les couleurs et je brouille les perspectives.

Au premier coup d’œil, tout paraît en place. Mais il suffit de laisser traîner son regard pour découvrir que tout est légèrement bancal, sur le fil du rasoir. C’est cet équilibre fragile qui m’intéresse.

 Ce que j’aime dans le dessin, c’est son immédiateté et son absence de repentir.

J’aime également la capacité qu’il offre à varier les traités pour passer de la transparence à la saturation.
Il possède aussi un aspect enfantin que l’on peut détourner en faisant quelque chose d’inattendu, voire de dérangeant.

Enfin, il y a toutes ces choses inexplicables dans l’attirance qui nous lie à un médium : l’objet, son poids, le bois du crayon de couleur, le toucher .

L’avantage du mauvais goût sur le bon goût, c’est qu’il est souvent plus drôle.
Et j’aime bien instiller de l’humour et de la bizarrerie dans mes dessins. C’est pourquoi je collectionne les couvertures des romans de gare des années 60 à 80.

L’esthétique racoleuse, le choix des typos et des photos pourraient passer pour une faute de goût, mais tout cela m’inspire beaucoup, à la fois sur les couleurs, la symbolique et les situations, toujours très fortes.

De la même façon, les films de David Cronenberg, John Carpenter et Dario Argento explorent des territoires qui me parlent et qui me plaisent.

Enfant, mes parents m’emmenaient souvent au musée d’Orsay. Du coup, j’ai été très influencée par les impressionnistes, notamment Paul Gauguin. Puis, j’ai beaucoup admiré Pierre Bonnard, aussi bien pour ses thématiques que pour son emploi des couleurs et des perspectives.

Aujourd’hui, j’ai tendance à m’intéresser davantage à la peinture et au cinéma qu’au dessin. Pour en citer quelques- uns, je choisirais Gerhard Richter et David Hockney chez les contemporains, mais aussi certains primitifs rhénans ou flamands comme Hans Holbein, Lucas Cranach, Roger van der Weyden dont j’admire la belle étrangeté.

Longtemps, je n’ai pas dessiné de portraits. Je m’intéressais exclusivement aux tissus urbains, qu’il s’agisse des friches ou du cœur des villes.

Jusqu’au jour où je suis tombée sur une série de photos de mode où posait Dakota Fanning. À l’époque, c’était une très jeune actrice. Une enfant.

J’ai eu un coup de foudre pour ce visage blond et ses grands yeux cernés. À compter de ce jour, mon style a complètement évolué. Aujourd’hui, quand on me demande un portrait, j’essaie de rencontrer les gens si c’est possible. C’est toujours plus facile de dessiner un artiste, un écrivain, un acteur, une personnalité dont on connaît le parcours.

Quant au traité, il va dépendre de la liberté que le directeur artistique m’accorde ou de celle que je m’autorise. Le plus souvent, je privilégie les fonds blancs. Mais, j’aime aussi inventer tout un univers derrière les portraits comme je l’ai fait pour Xavier Dolan (magazine Trois Couleurs) ou Montaigne (Pèlerin).

Je créé alors un paysage fictif composé de saynètes entremêlées. Cela permet d’associer un portrait à des éléments très narratifset symboliques ».



Zalko_Debbie
Debbie, ALINE ZALKO, 2015.
Crayon de couleur et pastel sur papier, 21 x 29,7cm.

 

Zalko_Landscape
Forêt de Ravel, ALINE ZALKO, 2016.
Crayon de couleur et pastel sur papier, 21 x 29,7cm.



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> 2016-17
MONTROUGE KRISTAL
Exposition du 29 mai au 7 juillet 2017
Finissage en présence de certains des artistes le vendredi 28 juin 2017 à 18h

 


Montrouge

CINQ OEUVRES SELECTIONNÉES PAR NOTRE JEUNE PUBLIC :

> Dans les allées du 62e Salon de Montrouge, on entend un grand enthousiasme pour la large tapisserie de SUZANNE HUSKY qui revisite l'harmonie pastorale de la Dame à la licorne à l'heure de Notre-Dame-des-Landes avec l'oeuvre La Noble Pastorale.

Le titre renvoie à une tapisserie médiévale qui met en évidence les vertus des artisans ruraux.
L'étude que propose l'artiste intègre des questions contemporaines en usant autant de l'esthtétique du mille-fleurs laissé à l'époque au libre arbitre du lissier, que de l'idée d'un détournement aux allures de prises de position politique.

La noblesse rurale est ici peinte comme l'activiste qui s'oppose à la construction "d'infrastructures inutiles géantes" pour certains, "projets écologiquement problématiques" pour l'artiste comme des centres commerciaux géants, de nouveaux aéroports, des barrages, etc. 

Par télescopage entre une technique artisanale et un sujet ultracontemporain, le tapis de laine mural dénonce l’irrémédiable avancée de la civilisation moderne et la fragile résistance qu’on lui oppose.

"Où nous pourrions nous livrer aux fantasmes sur l'existence de licornes, nous devons maintenant nous battre", précise l'auteur qui tisse elle-même sa laine.

SUZANNE HUSKY est une artiste dont la pratique explore la relation entre les hommes et le non humain. Formée en art et​​ ​en paysagisme, les enjeux du paysage sont matérialisés de diverses manières et matières. Ses pièces engagent des rencontres et des collaborations variées avec des historiens, habitants et artisans.

> DORIAN COHEN visite le paysage contemporain à travers une sorte de voyage dans l’urbain au sens large.

Plus qu’une poétique de la ville, l’artiste propose le chaos que la cité postmoderne organise, tord ou étend à travers les routes, édifices, ponts et arbres.
Le tout s’emmêle voire s’emboîte plus ou moins harmonieusement.

Jaillit on ne sait trop comment, le silence plutôt que le bruit.

Sans doute parce que ces images qui semblent conduire hors de la ville qu’en son ventre sont plutôt vides au sein d’une végétation qui demeure présente entre réalisme et fantasmagorie.

Dans l’ensemble, peintures et dessins grisés « imagent » les frontières de la ville : boulevard périphérique, bretelles d’autoroute avec embrouillaminis de ponts et de routes, arbres déjà de campagne deviennent des sortes de natures mortes nocturnes créés par un miniaturiste à la fois maniaque, précis et humoristique.

> Avec la série d'actions performatives, Mesurer les actes qu'entreprend MARIANNE MISPELAER depuis 2011, l'artiste tient à une constante :
sur un mur, tracer à vitesse constante, au pinceau et de haut en bas, une ligne d’une minute. répéter, côte à côte, minute après minute, d’autres lignes.

La répétition de cette action est ininterrompue durant plusieurs heures, jusqu’à épuisement : fatigue du corps, fermeture du lieu, réservoir d’encre vide, etc.

Le dessin s’adapte au contexte qui l’accueille, témoin de l’élan et de l’énergie de sa réalisation.

Le geste du dessinateur réagit sans cesse à des causes internes et externes, provocant d’autres causes, imposant imperfections et surprises qui s’accumulent dans le tracé, la mettant face à des conséquences qui orientent la continuité du dessin.

> A travers ses différents projets, JEANNE BERBINEAU AUBRY explore la nature et ses transformations, cherchant un juste milieu entre phénomènes naturels et artificiels. La nature et les végétaux sont une source d’inspiration constante pour la jeune artiste.

Dans l’œuvre Liqueurs réalisée en 2014, elle présente des spiritueux élaborés à partir de végétaux exclusivement prélevés dans les jardins de la Villa Arson.

Elle renouvelle d’ailleurs cette expérience de transformation en 2017 dans une seconde série éponyme avec des fleurs cueillies dans les jardins de la Villa Medicis au cours d’une résidence.
Figés à l’étape de macération, on distingue les feuilles, les fleurs, écorces et pierres distillant lentement leur parfum dans l’alcool à 95° qui à la manière du formol potentiellement comestible en conserve l’essence.

JEANNE BERBINAU AUBRY offre une nouvelle version olfactive de ces jardins dont les réminiscences alcoolisées émanent des contenants tel un souvenir altéré. Quintessence d’un lieu mis en flacon et dont l’effluve mature et se répand discrètement.



Suzanne Husky

La Noble Pastorale, Suzanne Husky, 2016.
Tapisserie, 203x247 cm.


Dorian Cohen

Départ en vacances - 08, Dorian Cohen, 2016.
Huile sur toile, 150 x 200 cm.

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Marianne Mispelaere

Mesurer les actes, Marianne Pispelaere, 2017.
Action performative n°10 , 347 min, 62ème Salon de Montrouge.
Encre de chine sur mur, pinceau petit gris, dimensions variables.






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> 2016-17
FRED ATLAN
Exposition du 18 avril au 24 mai 2017
Finissage en présence de l'artiste le mercredi 24 mai 2017 à 18h

 


Texte de FRED ATLAN :

" Le paysage est là, gravé en nous par des récits, des mythes, des images scientifiques,

Des tableaux et des films jusqu’aux cartes postales, je les revisite dans le huis clos de mon atelier.

Depuis vingt ans, mes travaux attestent de mon intrusion dans le champ photographique.

Être à l’origine de l’événement est un leitmotiv.

L’appareil devient un réceptacle dans lequel «j’opère».

L’appareil est figé face à une table et cette dernière devient un «champ opératoire».

Muni de matière glanée dans mon quotidien et sous l’égide d’un rituel, cette dernière surgit, fait événement.

Des matières non agrégables, instables et volatiles, des opérations éphémères dont seule la photographie peut témoigner.

Mon geste est domestique : jeter, mélanger, étaler, brouiller, hacher.

Mes images existent de la même manière qu’un plat est prêt à servir.

On n’en connaît pas toujours le processus de fabrication, et on ne reconnaît pas forcément les ingrédients.µ

Mes mains tirent les ficelles d’une fiction, des « photos de geste » qui font « signaux ».

De mon désir de ré-animer la matière nait des paysages, des allégories de paysage.


Absence de référent, vibrations des contours, inversion de la couleur, la fonction indicielle de la photographie est mise à mal.

Seul, le « ça a été » d’une gestuelle est décryptable.

Mes photographies sont un espace de jeux et de « je ».

Matières sublimées, paysages sublimes, l’impression de monumentalité et l’étrangeté qui s’en dégage contrastent avec la modestie et la simplicité du procédé utilisé.



Fred Atlan

S'abimer, série Cosmogonies, FRED ATLAN, 2016.
Impression contrecolée sur Dibond, 73x110 cm
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Fred Atlan

Monolithe émergeant, série Nuées, FRED ATLAN, 2015.
Impression contrecolée sur Dibond, montée sur caisson en bois, 56x38 cm.



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> 2016-17
ANTOINE CARBONNE
Exposition du 20 février au 31 mars 2017